韩瑞锋：绘画于我而言就是生活的修行-企业头条

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韩瑞锋：绘画于我而言就是生活的修行

韩瑞锋

Han Ruifeng

韩瑞锋，自小临习中国画，后拜山水名家杨长槐先生为师，并随陈氏太极拳第十二代传人翟大闽先生练习太极拳及内功心法。硕士毕业于首都师大美术学院董仲恂中国画山水工作室。曾任职于中科院自动化所科学艺术中心，并曾在中国戏曲学院、中国传媒大学等从事视觉艺术、绘画等教学工作。

编者按：

在798艺术区悬浮空间举办的“能量皴法”展览中，艺术家韩瑞锋以笔为径，在宣纸间构筑起一片静谧的能量场。他的创作从传统水墨的根基出发，而与太极的习练、心性的体悟融为一体，以具身性的重复劳作，勾勒层层平笔，以当代的视角重新诠释皴法的尺度与留白的呼吸。那些深浅不一的蓝调，是时间沉淀而成的温润釉色；而那些缓慢累积而成的笔触，则是修炼心性的实证痕迹。

韩瑞锋艺术实践中的精神内核，或许正在于那份对抗浮躁时代的定力。他以慢制快，以静制动，在每一笔的匀速行进中，将瞬间的光影延展为时间的绵延。这种创作超越形式的探索，成为生命修行的显影，传递出那运笔深处，一份不疾不徐的澄明。

“能量皴法”展览现场

韩瑞锋专访

用两个月，三个月，

甚至一年来画“一刹那”

TAKING MONTHS, EVEN YEARS,

TO PAINT A MOMENT OF EPHEMERALITY

库艺术=库：您在作品中以无数次平稳的起笔、落笔营造了一种宁静的氛围和气场，其创作是否也是一个缓慢的过程？完成一幅画需要多长时间？

韩瑞锋=韩：我的创作周期至少在一个月以上，短则两三个月，长则一两年，甚至几年。一幅画先在画案上进行，之后在墙上创作，前期比较集中作画，之后根据自己的状态慢慢调整，直到某天觉得作品成熟了，才会最终取下。

我通常采用老的生宣纸，纸张的特性也决定了必须慢工出细活：运笔过快会导致平稳度不足，显得笔墨毛躁，必须高度专注才能保持笔触的平稳度。这要求创作者具备扎实的功底，并持续地集中精神来画。

在笔法上，有意放慢、求“平”。黄宾虹提出五种笔法“平、留、圆、重、变”，其中“平”是基础要义。作画时需保持均匀呼吸节奏，只有笔底平稳，后续“圆”的力度凝聚才能自然生发，画面中才会体现出“静”的氛围。由于笔触足够缓慢、沉静，即使画面中没有形象，仅仅是笔触和线条，这种匀速行笔而成的稳定轨迹，本身就能构建出深邃和静谧感。

《皴法-融》，布面纸上水墨，215X124cm，2019

“能量皴法“展览现场

库：作品以宣纸为底，呈现出水墨的层次感，但使用的却是非中国画颜料。您在选择颜料方面有何考量？

韩：我对传统水墨的运用比较了解，这得益于从小写书法画国画的经验。不过，如今我更倾向于使用一种日本矿物颜料。它比较透亮，略微反光，比较符合我预期的画面效果。这种颜料本身带有一定颗粒感，近似墨膏。就像墨在砚台上长时间积留，会变成颗粒粗粝的宿墨，粘稠含水、笔痕清晰，形成特殊的质感，这些颜料也会随时间产生奇妙变化：时而沉淀分层，时而在夏日高温下产生化学反应，变为泥状质地——这种不可控的质变反而为作品带来了意外之趣。我常常在创作中刻意运用这些材料的自然变化，让它们成为我独有的画面语言。

库：您作品的色调多是深浅不一的蓝调，为何偏爱蓝色？这是一种怎样的蓝？

韩：在我的早期创作中，由于延续传统中国画的脉络，作品多以墨色为主。而这次展览呈现的多为蓝色系列，这两种色彩在视觉感受上有微有不同。

选择蓝色作为主色调，完全是出于一种自然而然的偏爱。我自幼在海边长大，蓝色的大海是我最熟悉的风景；日常生活中，我的衣着也以蓝色居多，这种色彩总能带给我舒适感。说来奇妙，这种选择或许与成长环境、个人心境都息息相关，完全是一种发自内心的、不自觉的倾向。我调制的蓝色，在色调上接近宋代瓷器的釉色质感。这种色彩的呈现也并非刻意追求，而是创作过程中自然形成的结果。

《皴法-生白》，布面纸上水墨，124X124cm，2020

《皴法-六阶》，布面纸上水墨，165X124cm，2024

《皴法-忽有》，布面纸上水墨，124X124cm，2023

《皴法-初时》，布面纸上水墨及多媒体，AI算法，2020

库：您将山水画中皴法的用笔内化为独特的表达，与传统皴法相比，有何沿用、又有何不同？

韩：虽然我的皴法承袭自传统，但已与古人的技法不同。首先，由于画面尺幅不同，我对皴法的大小进行了改造。历代山水画都比较小，尺幅大的如《溪山行旅图》也不过纵长两米，其中的山头皴法相对来说精巧细致；而我的大幅创作改变了观看方式，它是全幅的，必须放大皴法表现笔触，这是自然而然的过程。米芾的米点皴水墨淋漓，在远看时往往隐没不见，而我借鉴类似小斧劈的皴法，一笔一笔的皴，近看时，点状和线状肌理依然清晰可辨，形成了画面中新的节奏感和视觉形式，远看又有一种蒸汽感，所谓追求的气韵生动。

其次，我在皴法中融入了自己的审美追求。我坦承自己在笔力上不比终日执笔的古人，但经年累月的创作实践使我的线条与皴法日益精进，回看以前的作品，常会觉得不足。早期作品中，我的皴法显得边缘明显、黑白鲜明，而现在则愈加趋于淡远。这或许与年岁增长、心境变化相关，我越来越向往道家“虚室生白”、佛家“空”的境界。中国传统文化在我的生命体验中产生共鸣，也在创作过程中自然显现。

“能量皴法”展览现场

库：画面以密集的笔触积点成面，而其中的淡处形成了留白。在您的理解中，这种留白有着怎样的意味？是否像某种光的道路、呼吸的气口？

韩：画了多年满幅的点状皴法作品之后，我逐渐意识到画面需要呼吸的空间，于是开始尝试在其中留出一竖线的空白，又试着留了一横线，但真正的启发性时刻，是某一天早晨下楼晨练时，我看见有一束光影从楼层之间斜照下来。在早晨淡淡的薄雾中，那道光束并不强烈，而是朦胧温和，那一刻给我留下了很深刻的印象。后来画画的时候，我就把这个意象放进去，形成了清透的留白而成的光感。于是，在反复叠加皴法的过程中，我注意保持画面的透气性。即便颜色逐渐加深至近乎墨黑，也要为画面留出呼吸的间隙。这些由空白构成的微妙关系，最终形成了沁人的“透光”效果。

我渐渐感悟，光不正是时间的缩影吗？影子投在地面上的一处，有时几秒钟就没了，太阳一秒钟行近三十万公里，早已经运动变化了。我将光与时间的关系转化为创作的思路：用两个月，三个月，甚至一年来画“一刹那”。这在方法上延续着既有的皴法系统，但是在哲理上更深远了。

留白在我的作品中呈现出多样的可能性，有时具有一种空间性的结构，有时像薄雾笼罩，有时则是一根勾勒出山形的线。总之，留白的形式和含义没有绝对性，它是在变化当中自然形成的。

《皴法-劈》，布面纸上水墨，150X124cm， 2022

“能量皴法”展览现场

练太极与画画

本质上都是生命能量的修炼

TAI CHI AND PAINTING

ARE BOTH CULTIVATIONS OF LIFE ENERGY

库：站桩和太极的身体练习如何影响了您的创作？太极在运动中的静定、缓慢中的能量，与用笔的原理是否相通？

韩：太极拳的功法与绘画笔法有着深刻的相通之处。太极中的核心功法，第一个功夫就是“匀”——这与黄宾虹所说的五种笔法中的“平”不谋而合。通过站桩将身体放松到极致，以平缓均匀的动作感受能量的流动，以至在身体内感知舒展的能量场：在室内练拳，仿佛能将整个空间撑满；在草场习练，需要将意识通过指尖所向，可以将能量触达远方。这种感知能力与绘画用笔时的气脉运行十分相似。

对我而言，练太极与画画是同一条路。今天打太极而不画画，明天画画而不打太极，其实都是一样的，它们都是生活，本质上都是生命能量的修炼。太极拳所追求的无极之境，与此次展览“能量皴法”的主题相互呼应，也都是能量的表现。这种修习为绘画注入新的力量，也体现了艺术与生活的浑然一体。

库：您自幼学习传统中国画、临摹山水图式，是怎样的动机或契机促使您开始转向现当代绘画的路径的？

韩：我小时候学中国画，主要就是出于喜欢。比如我的哥哥很小就擅长画画，那时，很多孩子围着他，看他画画，我受到了他一定的影响。而真正决定性的启蒙，还是一次特别的经历。我上小学的时候，在临近的学校偶遇了一位老先生正在作画。他画了一只母鸡和一群小鸡，我看到后就拔不动腿了，特别喜欢。这个时刻激发了我学画的兴趣，后来我从《芥子园画谱》开始练习，渐渐地转向画尺幅更大的中国画。

转向当代艺术的道路，则源于早期对现代设计的痴迷。我青年时代极其喜欢建筑、空间设计，特别喜欢包豪斯的现代风格以及极简主义。这种影响延续到我后来的设计、动画、绘画等创作中。正是这些实践积累，推动我的绘画语言从繁复逐渐走向简单至极简，形成了现在的艺术风格。

《皴法-刹那》，布面纸上水墨，170X124cm，2022

库：您的作品面貌和创作理念与高名潞老师提出的“极多主义”、栗宪庭老师提出的“念珠与笔触”相呼应。这种重复劳作与时间性积累的创作方式，是您在探索个人语言时主动受到这些理论的影响，还是在实践中自然生发，后来才意识到与理论的契合？

韩：这种契合是后来发现的。因为我早期崇尚极简主义，设计中几笔能解决的问题就不用多一笔，家里的陈设也极其简单，客厅几乎只有一件沙发。后来从这种极简转为了看似相对的“极多”，但它整体仍属于极简的形式。

向“极多”的转变源于我的个人经历。前些年经济高速发展时期，大家都拼命的加班、奔波，造成我身体有恙，更早感受了身体的不适。于是，我就从这种忙碌和不安定的生活节奏中脱离出来，反思和改变自己的生活状态。以前是急性子，在画画时速度也很快，追求快意泼墨，直到我的研究生导师建议我画画时放慢速度，稳定心态，于是才开始让自己静下来，慢慢修习心态。

从传统山水的语言，经过很长的提炼过程，一点点转化为现在的面貌。追溯起来，研究生时期对山水符号的研究已经埋下了伏笔。比如，那时候我引用了李华生的例子，他的水墨线格画，就与我现在的实践有相似之处。“极多主义”“念珠与笔触”这些理论概念，我都是在实践后才知道的。不过，与这些理论相比，我现在的理解还有所不同。我感到老一辈学者强调的还是在于“做”和不停的修炼；我则更在意画画时的心境，更关注“心域”的开拓。