古老的农耕文明认为，日月光芒以各自的节律抵达大地参与万物生长。艺术家林芳璐的作品便在这样的节律中成形：从早年深入云南学习白族扎染、贵州侗族亮布，到近年走进云南文山壮族苗族自治州，她与当地女性手工艺者合作，将传统技艺转化为当代纤维艺术。这次，她带着国内首个美术馆体量个展、37件新作来到上海外滩艺术中心——植物染布随日光变化，西畴纹样在时间中抽芽，从“切肤之上”到“太阳之下”，她把“身体的智慧”织入更广阔的天地。

林芳璐

THE ARTIST

林芳璐（Fanglu Lin），现工作生活于上海。她的作品始终与身体的智慧、劳作的经验、民族的传统及自然材料紧密相连，艺术实践长期关注中国少数民族传统工艺与物质文化，她深入云南白族、贵州侗族村寨进行田野调研，与当地女性手艺人合作，发展出以纤维为主要媒介的创作。自2021年凭作品《SHE》获LOEWE罗意威基金会工艺奖、成为唯一获该奖的中国艺术家，到在上海、首尔等地举办个人展览，作品展出于英国维多利亚与阿尔伯特博物馆、巴黎装饰艺术博物馆、上海当代艺术博物馆、西岸美术馆等机构并被多家国内外公共机构收藏，她一步步完成着创作生涯的跃升。

上图：《赤经》，400x700x25cm，2026年；

下图：左侧装置作品为《永夜之夜》。

《太阳之下》是林芳璐一次由内向外的目光扩张，

“太阳”是此次展览最核心的意象，

它承接并推远了林芳璐从“切肤之上”开启的追问。

如果说对切肤的质询是向内的潜行，

那么“太阳之下”便是向外的舒张：

从贴身的触觉边界，望向那片广阔无垠的天空。

古希腊哲学家赫拉克利特曾说，太阳从不越出它的限度。它只是照耀，却不规定万物以何种姿态回应。在林芳璐看来，太阳既是人类造物所依赖的共同能量，也构成了人与世界彼此感知的尺度。作为此次展览最核心的意象，它意味着艺术家从身体内部的潜行走向更广阔的疆域。

从皮肤、指尖与丝线的相触之处，她抬头看见群山、朝阳与无垠的星空，这并非陡然发生的转向。“没有戏剧性瞬间，它更像是往返于工作室与西畴之间，慢慢发生的……我发现，皮肤之外还有一层更大的‘膜’——空气、光、土地、人与人之间的关系。”于是，创作的目光从贴身之处，望向了人类共同的背景。

展览呈现了几件尺幅巨大的装置作品，

左侧为《永夜之野》，右侧为永昼之野，

呈现出西畴田野昼夜更迭的颜色与太阳照临的痕迹。

相比早期更偏纯粹、克制的色彩，

《太阳之下》展开了更丰富的层次，

“我慢慢学会接受这种‘活’的颜色”，艺术家如此说。

日光普照，不分远近，却使万物各具其形，

展览旨在邀请我们体察人、物与土地的彼此感应，

从而理解万物各异却相联共生。

近几年的展览与旅行，让芳璐不断面对不同的文化、建筑和观众，这种向外舒张的转变，在作品中留下了清晰的痕迹，色彩的变化尤为显著。相比早期纯粹克制的用色，“太阳之下”展现出更丰富的层次：明艳的橙黄从中心向外迸发，呈现庆典般的生命力；靛蓝与青灰则将视线带入夜色与深海，如同记忆在身体内部留下的沟壑。

从《草莽地》的野绿到《碧萝天》的翠绿，从《云烧火》的橙红到《赤壤》的深红，植物染色像无法预知的馈赠，“它们会退晕、会氧化、会随着光变化；而且它并不稳定，批次间很难完全一样。我渐渐学会接受这种‘活’的颜色。”她如此说。

右侧装置作品为《永夜之野》，530x450x20cm，2026年；

褶皱、缠绕、结团与放射状结构形成复杂的视觉地貌，

在观看中同时唤起花朵、器官、皮肤与山川的联想。

作品之间保有恰当的距离，

随着观众的走动，颜色会互相映照，

形成呼吸般的韵律节奏。

色彩的明暗也指向太阳的温度，“这种温度感不是史诗式的宏大，而是‘被照见’的日常——是被晒热的双手伸进染缸，是染布在日光里慢慢变色、变干、变皱。它不分疆界，照在西畴的山上、上海的江边，照在全世界不同地方的屋顶上。”

芳璐的创作正是从这层“可见”出发，让纤维、线结与染料凭各自的脾性彼此牵引，在舒展与收拢、明亮与幽暗中共同塑造作品的意义。从皮肤到土地，从纤维到山川，从地方经验到共同世界，太阳成为连接身体、材料与土地的纽带，而她以柔软而坚韧的纤维撑开一片无垠的天地。

《金乌》，350x350x20cm，2026年，

这件作品以悬挂与卧置两种形态

呈现于主展厅中央，形似太阳，

放射状的色彩如光芒彼此倒映，也如共生。

新展取材于云南西畴，那里的群山、手艺与仪式，都是“太阳之下”具体的生活现场。作品延续艺术家对材料肌理与身体劳动的关注，并从普遍的差异中寻找关联：不同的土地孕育不同的生命与手艺，却共享同一颗星球的能量；不同的传统各有来路，也能在传递与变化中长出新的关系。

太阳是循环往复的日常，光合、季候、生长与劳作，都可追溯至这份慷慨而平等的给予。“太阳之下”既是“切肤之上”的延伸，也是回应：丝线回拉指节，染液渗入掌纹，缠绕、缝缀、浸染，艺术家顺着材料的脾性，在长时间的反复劳作中与它相互影响，彼此塑造，去倾听材料的“意愿”，共同寻找作品的形态。

新作的线索来自云南省文山壮族苗族自治州西畴县，

她观察到，当地的绣品、纹样与仪式动作

携带着具体的生活节律和代际记忆，也拥有继续流动的能力。

下图，从左至右：《赤壤》，112x82x12cm，2026年；

《薄暮》，120x100x20cm，2026年。

“我不是先画草图再执行，而是先染小样，看布的反应。温度、湿度、水质、手劲、线的松紧，都会改变结果。我会根据材料的反馈不断调整：这里要不要再绑紧一点，那里要不要让它松开，这块布应该垂下来而不是撑平。”她倾听材料的‘意愿’，与它们协商而非命令。“倾听，就是承认材料有自己的判断。”她说道。

在这个过程中，她发现材料比以往更外向了。比如《草莽地》的绿色在棉纤维里层层晕开，捆扎处留下浅色线痕，布会自己收缩起皱，深绿螺旋如地心，浅绿皱褶像晒卷的草叶；《云烧火》的红橙似像云被点燃，深紫红螺旋是缝扎后自然形成的涡旋。“它不是我画出来的地形，而是材料在染、扎、缝、晒后自己‘长’出来的。”这恰恰对应时间的呼吸——它不为人所控制，却在流动中留下痕迹。

游走于展厅，从《朝阳》《日生之轮》《云烧火》

到《薄暮》《胧》《星云》，

作品随一天的光线推移，暗藏节律，尺幅亦各不相同。

这些作品里，棉线、木与植物染布互相支撑：

线拉着布，布裹着木，木又撑起整个结构，

它们彼此依存，共同呼吸。

下图，从左至右：《碧萝天》，92x72x18cm，2026年；

《山与迷踪》，120x100x20cm，2026年。

创作是皮肤与材料、“我”与“非我”的边界彼此渗透的过程。而在展览现场，这种渗透也发生在作品与观众之间：近距离观看时，眼睛仿佛获得指尖触感，沿丝线与色彩缓慢移动。“我希望观众不只是隔着距离‘看’，而是让身体与之互动。“芳璐说道。

透过绕行、停驻、侧身，去感受作品的厚度、背面、垂坠与阴影，去靠近那些线结、染痕与手缝的痕迹，”感受它们像一片有光的林子，从缝隙里看光——不是解谜，而是待一会儿，让呼吸慢下来。”

上图，从左至右：《日升之轮》，120x100x10cm，2026年；

《白昼旧梦》，112x82x18cm，2026年；

《虹弧》，112x82x18cm，2026年；

下图：《月息之轮》，120x100x10cm。

尺幅的差异，让整场展览有了呼吸的起伏。大尺幅如山脉与云层，能量充沛；小尺幅更靠近身体，像清晨薄雾与初升的太阳。“布展时，我把它们放在大作品之间、转角或光线更柔和处，让观众退一步，走近线结、染痕与手缝的细节。它们不是附属，而是节奏的停顿与必要的留白。”

作品里也存在微小的呼吸：棉线、木与植物染布互相支撑——线拉着布，布裹着木，木又撑起结构，它们彼此依存，又各自保留脾性。“我认为‘共息’和‘共生’不是浪漫化的和谐，而是在差异里相互支持。共同呼吸，意味着你要让出一点空间，也要接住对方。近年来工作和生活里的变化，让我更理解了这个道理。”

在林芳璐的创作中，这些来自地方的文化经验

并非作为一种静态的传统符号被展示，

而是在新的材料实践中获得继续流动的可能。

《共息》，120x100x10cm，2026年。

回想第一次接触西畴的织物与纹样，芳璐说最触动她的是里头所蕴藏的“时间感”，它们承载着具体的生活节律与代际记忆。“何时采摘、何时染、晒多久、怎么捆扎、怎么缝，都跟当地的光、热、季节和仪式有关。太阳在她们的生活里既是钟表，也是能量。”

在芳璐看来，那些纹样并不是单纯的装饰，而是一代代女性用双手传下来的记忆和祝愿。“你看到一块布，其实看到的是很多个晴天、很多双手、很多次等待。那种地方性非常具体，却能在别的文化里找到回声，这也是我特别想继续做下去的原因。”她说道。

上图：《共生》100x145x10cm，2026年；

下图：林芳璐长期深入云南白族与贵州侗族地区，

关注扎染技艺与“亮布”等少数民族传统工艺，

并与当地女性工艺者建立合作；

此次新作则取材于云南文山壮族苗族自治州西畴县。

这些地方的文化经验，在她的创作中并非静态的传统符号，

而能在新的材料实践中继续流动。

一道纹样可在遥远文明的陶器、织物或建筑中找到回响，一个祈愿的手势也可能在异乡礼俗中产生呼应。她没有原样照搬西畴的纹样，而是拆开、重组，让它进入新的空间关系。“比如《山与迷踪》的蓝色螺旋像路径与水系，绿色像山，底部保留了织带纹样，但整体已是当代抽象的结构。”

她希望传统不是被封存的样本，而是能在当代生活里持续游走。“外滩艺术中心在江边，像西畴的山与上海的水在对话......松动边界，不是抹掉地方性，而是让地方性有更多出口。”她从具体的材料与地方经验出发，试图让它们进入更开阔的文化网络，与不同地域建立新的关联。

林芳璐过往所创作的雕塑及装置作品

如伫立的图腾柱般立于展厅中央。

褶裥起伏，茎蔓缠绕，蜿蜒皱起，

流露出原始而蓬勃的生命力。

这些作品以纯粹的色彩回应初心，

也呼应着贯穿她创作始终的女性力量与古老手工艺。

创作的早期，她向云南白族女性、贵州侗族工艺者请教技艺，理解纹样、染法与仪式，再把这些手艺带进美术馆。如今，合作进入更日常、更信任的阶段：“像在田野里共同实验：一起试染、看色、聊纹样，她们的手感与节奏会进入我对作品结构的思考。她们不是代制者，而是我持续学习的师友，是我理解‘共同呼吸’的来源。”

沿一根丝线、一双手，展览带我们穿过皮肤与疆界，看见万物在同一片光芒下彼此牵缠生长。它不试图区分中心与边缘、自我与他者、古老与先进，而是扎根于土地、手艺和具体的人身上，将纤维推向身体、光与更广阔的空间。从“切肤之上”到“太阳之下”，林芳璐完成了一次目光的扩张，她仍站在西畴那片土地，却从那里望见整个世界。

太阳之下｜林芳璐个展

地点：上海外滩艺术中心185空间

时间：2026年10月8日- 11月2日

摄影 | 顾忠升 Gu Zhongsheng

文、编辑 | 栗子

设计 | Karay

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